C'è una procedura per accettare le fotografie in movimento meglio? “Il sistema di direzione del film in 7 passaggi”

Ho lavorato professionalmente nel settore cinematografico e televisivo per 37 anni. Per tutto quel tempo, ho avuto l’opportunità di lavorare su fotografie di movimento industriale, fotografie di movimento tutorial, documentari, pubblicità, video di messa a punto, rivelazioni TV episodiche, fotografie di movimenti televisivi, fotografie di movimenti indie e sostanze hollywoodiane. Ho lavorato con dozzine di registi appropriati, mediocri e raccapriccianti, con centinaia di attori appropriati, mediocri e raccapriccianti. Ho letto 100 di sceneggiature di film prima che fossero prodotte: alcune che sono state così abominevoli che potrei forse non procurarmi più le precedenti 10 pagine, alle sceneggiature che andarono a finire sugli Academy Awards. Ho anche avuto l’opportunità di impiegare mesi per istruire e guidare gli studenti dei college cinematografici mentre scrivono, preparano e fotografano le loro fotografie in movimento rapido non pubbliche.

Giudico i miei anni nelle “trincee di produzione di film” mi ha dato una visione particolare della scoperta della risposta ai dati di ricerca di: “Esiste una formula, o dati, che i registi (ovunque sul pianeta) possono praticare, che possono frequentarli procurano fotografie in movimento vincenti e avvincenti? “Intelligentemente, ritengo che la risposta sia certa! E a proposito, la mia definizione di un film corretto (un documentario o un dramma) è “l’arte di raccontare visivamente un libro di spelling con personaggi plausibili”. Nel mio scrutare, i registi più inesperti (o abili, ma indolenti) impiegano essenzialmente la maggior parte del loro tempo a capire come riprendere il film predominante (foto fantastiche e angoli digitali fantasiosi) prima di capire di cosa tratta il memoriale e cosa intellettuale i personaggi in realtà hanno bisogno. Sarò coraggioso proprio qui e racconto pubblicamente che proprio qui è il modo raccapricciante di dichiarare un film corretto! Perché? Poiché ritengo fortemente che per dichiarare in modo efficiente un “libro di memorie visivamente accattivante con personaggi plausibili”, è indispensabile praticare questa formula in 7 passaggi:

FASE 1: STUDIO DEL COMPORTAMENTO UMANO

Che cosa termino di sottolineare con la sbirciatina del comportamento umano? “La natura umana è l’opinione che esiste un luogo di tratti distintivi intrinseci, compresi i sistemi di riflessione, sentimento e azione, che la gente tende a sopportare”. (Citazione da Inchiesta of.com) In altre parole, la sbirciatina del comportamento umano riguarda: a. Cosa ci fa ticchettare? b. Perché finiremo le cose? Quando conosci le risposte a queste domande, forse potresti anche avere un’opinione più vicina su come i personaggi della tua sceneggiatura possano anche semplicemente interagire serenamente con gli altri, oltre ad avere gli “strumenti psicologici” ben educati per dichiarare attori sul posto. La cosa ben educata del comportamento umano è che è osservabile e, come narratori, dobbiamo prima osservare il modo in cui noi reagiamo a istanze e circostanze diverse rivelando di assaporare come e perché il loro comportamento cambia. Come regista, è prezioso essere un “pensiero” per il comportamento umano. O non è più un modo obbligato per procurarsi il comportamento di guardare a noi andare in giro per le loro vite quotidiane, in modo che tu possa forse solo guadagnare ciò che li motiva a pianificare la chiusura. Quando sai cosa motiva una persona in particolare a sviluppare i loro bisogni quotidiani, quello che forse potresti avere la certezza di meglio marcare la memoria che forse potresti forse dire, e allo stesso modo che potresti forse, in realtà, sentirti più sicuro servendo ai tuoi giocatori a sviluppare spettacoli plausibili.

PASSO 2: STORIA

Ci sono molte sfaccettature della preparazione di un regista su qualsiasi film o TV serena, ma il principale e principale frammento del tuo lavoro è quello di assaporare ogni dettaglio riguardo al memoir: il posto che occupa guadagna 22 situazioni; chi sono i personaggi; e cosa succede loro. Ogni volta che ti capita di leggere per prima cosa una sceneggiatura, elencate di seguito sono oneste vere un paio delle molte domande che forse potresti forse riconoscere per partecipare a stabilire e chiarire i dubbi degli script di abilità:
un. Di cosa parla il memoriale?
b. Il memoir procura senso?
c. Quale autodisciplina deve essere risolta?
d. Quale torneo aggancia il pubblico di destinazione?
e. Qual è la situazione guadagna 22? (la mozione)
f. Qual è la sottotrama? (il tema)

Notoria la memoria richiede un sacco di lavoro nel tuo frammento, per cui devi assolutamente pianificare di scavare più a fondo nella memoria e della sua struttura esaminando ogni particolare scena della persona nella sceneggiatura per cercare di capire di cosa si tratta, cosa funziona e cosa sarebbe non più facendo domande di gusto:
un. Qual è la mappa della scena?
b. Quali sono le sostanze del ricordo?
c. Il posto sono i beat della scena?
d. Il posto è il culmine?
e. Qual è la risoluzione?
f. Quali sono le tracce indispensabili del dialogo?

La tua suddivisione degli script potrebbe essere una direzione senza fine. Ogni volta che leggi la sceneggiatura, quello che potresti forse guadagna qualcos’altro che potenzialmente non sapevi più riguardo alla memoria o ai personaggi. E la sceneggiatura può persino evolversi continuamente. Questo può anche essere scambiato semplicemente a causa delle tue note creative, delle modifiche del creatore, delle modifiche degli attori, delle modifiche al produttore, delle modifiche allo studio e della disponibilità dei posti. Ma per quanto tu sappia di cosa parla il memoir, e il luogo in cui il memoir va, quello che potresti forse potrebbe essere in grado di modificare i cambiamenti totali.

PASSO 3: PRESTAZIONI

Giudico che semplicemente tutto ciò che è indispensabile per percepire la direzione dei giocatori è definito in queste tre parole: MOTIVO DETERMINA IL COMPORTAMENTO. Non appena rompiamo queste parole, diamo un’occhiata: MOTIVE (il nostro mondo interiore) DETERMINA (controlla) il COMPORTAMENTO (il nostro mondo esterno) E se li abbattiamo ancora di più, diamo un’occhiata a: Quali sono i nostri bisogni (MOTIVO) acquisto (DETERMINES) Quali azioni siamo in grado di pianificare chiudendo (COMPORTAMENTO) Senza dubbio uno dei molti obblighi predominanti di un regista è quello di assistere gli attori a sviluppare una vita come l’efficienza, e un direttore corretto lo fa “ascoltando il fatto “e chiedendo continuamente:
un. Terminate che li giudico?
b. Terminare le parole procure senso?
c. I personaggi sono plausibili?

E in sostanza l’essenziale per ottenere una vita come l’efficienza di un attore, è innanzitutto il raggiungimento degli obiettivi di una personalità. un. Può anche semplicemente essere serena una mappa predominante per personaggio per scena: cosa devono terminare nella scena? b. Gli obiettivi possono anche essere semplicemente sereni essere determinati, concisi e riconosciuti in una semplice frase: “Per vedere il luogo in cui la pistola è nascosta”. Come acquistare gli obiettivi:
un. Chiedi a te stesso “Di cosa ha bisogno il personaggio in questo stato?”
b. La mappa di un personaggio può anche semplicemente creare confini per il personaggio.
c. Studia quello che il personaggio (il suo comportamento) preferisce a quello che dice.
d. Studia cosa succede nella scena e il piano finisce.
e. Studia ciò di cui abbiamo bisogno per sopravvivere: quali sono le cose in cui siamo in grado di sacrificare ogni piccola cosa?

Sul posto, gli attori vogliono lavorare con registi che brandano la loro vulnerabilità, quindi è estremamente indispensabile stabilire un rapporto corretto con ogni attore nel film. E che cosa devono interrompere gli attori più di ogni altra cosa da questa relazione con il regista? FIDUCIA! Se gli attori in realtà si sentono in grado di non credere più al regista di percepire una corretta efficienza da una macabra efficienza, stanno per far nascere sul loro schermo le loro esibizioni non pubbliche e la nascita per dichiararsi: diventeranno “Regista” Prova!” Siate consapevoli, per cercare il personaggio che stanno interpretando, gli attori devono arrendersi completamente ai sentimenti e agli impulsi, e un direttore corretto capisce la vulnerabilità di un attore e crea una situazione di guadagno per loro.

PASSO 4: I PRINCIPI DEL MONTAGGIO

Senza dubbio una delle principali sostanze per essere un regista corretto, è di assaporare le “punte del montaggio”: la giustapposizione di foto per rivelare un ricordo. Nel 1918, un regista russo noto come Lev Kuleshov condusse un esperimento nel luogo in cui aveva girato e montato un film rapido in cui il volto di un famigerato idolo russo matinée si trasformava in intercot con altre tre fotografie: un piatto di zuppa; una ragazza che gioca a palla; una donna veterana in una bara. E Kuleshov ha reso evidente che lo sparo dell’attore è cambiato in uguaglianza (e disinteressato) in qualsiasi momento quando gli ha tagliato le spalle. Il film si è poi trasformato in un pubblico che credeva fermamente che l’espressione sul volto dell’attore si trasformasse in assortiti ogni volta che lo guardava, calcolando se fosse cambiato in “” il piatto di zuppa, la piccola donna o la bara della donna veterana; mostrando un’espressione di fame, felicità o pericolo rispettivamente. Quindi cosa ci rivela questo esperimento? Utilizzando con attenzione la giustapposizione delle foto, i registi erano stati in grado di produrre emozioni ovvie dal pubblico di riferimento manipolando l’efficienza di un attore. Come regista, elaborare le linee guida del montaggio ti consentirà di: creare una sceneggiatura più visiva; per acquistare il posizionamento in digicam; bloccare le tue scene; e procurarsi performance stratificate da attori.

PASSO 5: LA PSICOLOGIA DELLA FOTOCAMERA

Ciò che sottolineo dalla Psicologia della Digicam sono i significati visivi di immagini e angoli. In altre parole, il luogo in cui impostate la fotocamera digitale può aumentare o diminuire il modo in cui il pubblico di destinazione sta elaborando ciò che la scena è in realtà e ciò che i personaggi provano. Ci abbracciamo: ci sono tre angoli di esame per la fotocamera digitale:

un. Scopo: il livello di pubblico destinatario di controllo. (La fotocamera digitale è posizionata fuori dal movimento.)
b. Soggettivo: la fotocamera digitale agisce come gli occhi dello spettatore. (La fotocamera digitale è posizionata in qualche fase del movimento.)
c. Livello di Peep: ciò che il personaggio sta vedendo. (La fotocamera digitale è il movimento.)

Il pubblico troverà che ogni colpo o nota di dialogo in un film è lì per aggiungere l’opinione centrale, quindi, ogni scatto che utilizzi può anche semplicemente contribuire sereno al memoir o alla base che forse potresti fare un prova a guaire Dal momento che l’emozione dello spettatore è la mappa finale di ciascuna scena, il luogo in cui guadagni 22 situazioni, la fotocamera digitale comprende l’emozione che desideri al pubblico di destinazione per le abilità, in qualsiasi momento della scena.

PASSO 6: TECNICHE DI BLOCCO E DI STAGE DI BASE

Molto semplicemente, il blocco è il rapporto tra i giocatori e la fotocamera digitale. Raramente il blocco non è più sufficiente per ottenere il dialogo giusto o discutere le motivazioni di un attore, se non per la fervida circolazione di un attore. Io consiglio alla tua nascita di meditare sul blocco come coreografia di una danza o di un balletto: le sostanze totali sul posto (giocatori, comparse, veicoli, equipaggio, equipaggiamento) possono anche semplicemente passare serenamente in meraviglioso accordo con tutte le altre. Prima di iniziare a determinare la tua opinione bloccante, è indispensabile percepire queste cinque cose:

un. Quando, e il luogo, i personaggi erano stati visti per l’ultima volta?
b. Qual è lo scatto finale della vecchia scena?
c. Qual è l’inquadratura predominante della scena su cui forse potresti forse lavorare?
d. Qual è l’ultimo scatto della scena su cui forse potresti forse lavorare?
e. Qual è lo scatto predominante della scena successiva?

Il tuo parere di blocco sarà anche scortato da:
un. Di chi è il POV che viene espresso nel tempo? (È il creatore, il personaggio o il regista?)
b. Che distanza sei dall’autodisciplina? (Qual è la dimensione dello scatto: chiudi o modi?)
c. Qual è il tuo rapporto con l’autodisciplina? (Qual è l’angolo di esame: la tua selezione di obiettivi?)

Ogni volta che vi capita di essere i primi a dirigere la regia, bloccare una scena sarà anche una delle molte sostanze più difficili del vostro lavoro. Ma assapora il resto dell’esistenza, il blockading prende nota e più casi lo interrompi, più il chuff che forse potresti diventare.

PASSO 7: TECNICO

Da tecnico, sottolineo ogni piccola cosa che serve per procurarsi un film! (Aree, Cinematografia, Montaggio, Suono, Costumi, Acrobazie …) Certo, so che sto inserendo la stragrande maggioranza della regia cinematografica in una categoria, ma senza elaborare i 6 passaggi predominanti di questa formula, che forse potresti essere in qualche modo impiccato a “regista della mediocrità”, che sta scrivendo copiose sceneggiature con personaggi non veritieri che fanno fotografie di movimento noiose e stupide. Il che porta alla mia citazione cinematografica autorizzata dal leggendario regista Frank Capra: “Non ci sono più principi nel cinema, completamente peccati! E il peccato capitale è l’ottusità”.

Da quello che ho anche testimoniato durante i precedenti 37 anni, giudico che se ti capita di praticare questa formula di regia in 7 fasi, che forse potresti forse sbirciare come qualsiasi regista, anche qualsiasi individuo con pochissime abilità, potrebbe per forza magari fare un film visivamente avvincente con personaggi plausibili. E se ti capita di poter anche semplicemente avere un ricordo che ha argomenti universali, e la passione di rivelare questo libro di memorie, che forse potresti anche procurarti un film, nella tua lingua, e il pubblico di tutta l’arena lo farà sorridere. È la tua selezione!