Le tre fasi della produzione cinematografica

Esistono tre fasi dell’attività di produzione:

1. Pre-produzione (fase iniziale) in cui è possibile chiedere di utilizzare circa 1/3 del tempo totale.

2. Produzione (la fase di acquisizione) in cui è possibile chiedere di utilizzare circa 1/6 del tempo totale.

3. Put up-Manufacturing (la fase di modifica) in cui è possibile chiedere di utilizzare circa 1/2 del tempo totale.

Queste stime temporali sono molto lente e possono tacitare fluttuando i conti sulla vostra produzione.

Un’adeguata pianificazione adeguata garantisce che la costosa fase di produzione funzioni senza dolore e che ogni persona in particolare le immagini richieste vengano fucilate.

Metti su: la produzione è una fase estremamente creativa e dovrai riempire il tempo per modificare, visualizzare e modificare dove obbligatorio.

La pre-produzione coinvolge:

Salvaguardare i documenti di pianificazione, selezionare le aree, assumere personale solido e equipaggio, prenotare attrezzature e allestire strutture, far fronte a documenti imparziali e appropriati, aumentare la portata del valore, contabilizzare contratti di affitto e prodotti e società, ecc.

La produzione è importante:

Ripresa delle fotografie specificate, ripresa in cui il suono dell’arena è obbligatorio e registrato.

Metti su: la produzione implica:

Screening e registrazione delle tue fotografie, registrazione o accesso alla melodia, registrazione di controversie e risultati sonori, aumento di animazioni, illustrazioni e grafica testuale, modifica di molti elementi visivi e colonne sonore, aggiunta di transizioni e risultati, miscelazione, correzione del colore, aumento del tempo codificato copie per l’anteprima, aumentando i master e i sub-master.

Esistono tre documenti di produzione principali:

– La proposta

– Il copione

– L’elenco delle riprese, l’elenco delle scene o lo storyboard.

La proposta contiene: titolo di lavoro, media, tell (incl. Schema e trattamento del filato), problemi tecnici e gamma di prezzo. Forse i traffici potrebbero essere anche industriali, drammatici, documentari o tutorial. È molto estinto per gli investitori fattibile o le aziende manifatturiere su cosa è il tuo progetto prima di studiare la sceneggiatura.

Lo script contiene: un modello di memoria intensivo, scritto per la visualizzazione del movimento, con dialoghi e record di dati visivi. Piuttosto esiste una coppia di formati, tuttavia in genere ora lo script non appende gli angoli della telecamera, i record di illuminazione e i record di dati tecnici. È una fedele descrizione del memoir.

Lo Shot Record / Storyboard contiene: Un locale per ora non girato / numero di scena, comando visibile, descrizioni tecniche e tempo approssimativo per lo scatto. In uno storyboard una trama aumenta la descrizione del colpo scritto. Questo è dove si trova il record di acquisizione tecnica.

Distanze di inquadratura elencate nello sparo che fa riferimento alla distanza percepita tra la videocamera (target di riferimento) e l’autodisciplina. Mentre ci sono generalmente molte definizioni per distanze di tiro, ce ne sono sicuramente cinque frequenti:

1. Vulgar Long Shot (ELS) dove potrebbe esserci un’arena essenziale dell’arena attorno all’argomento. L’autodisciplina sembra essere distante.

2. Long Shot (LS) dove l’argomento con facilità riempie il fisico da alto a basso con ampio spazio per la testa e stanza sotto l’argomento).

3. Colpo medio (o medio) (MS) in cui circa il 2/3 al 1/2 dell’argomento è considerato all’interno del corpo. Genera certo di non consentire mai il fondo del corpo per ridurre una persona in particolare a un giunto naturale.

4. Fine su (CU) dove viene inquadrato da circa 1/3 a 1/4 dell’argomento. Questo potrebbe accadere occasionalmente che il tuo convenzionale “testa e spalle” sia sparato.

5. Vulgar End Up (ECU) che è generalmente un colpo alla testa di una persona in particolare. Per quanto prolungato perché mostra gli occhi, la narice e la bocca all’interno del corpo, sarà muto essere considerato come un colpo di una persona particolare (come in opposizione a un colpo medio di un biglietto, per illustrare).

sequencing

Competenza di sequenziamento generale che progettiamo una serie di scatti per una scena o sequenza nel nostro film. Devono essere progettati per giurare che il pubblico di riferimento ha dimostrato il movimento in una tecnica che è senza complicazioni capite, visivamente stimolante e che nessuna autodisciplina è provata e che ora non è destinata a essere metà della scena.

Per questo motivo, molti scatti potrebbero essere progettati e ciascuno vuole essere programmato per facilitare la modifica.

Mentre ogni sequenza di scatti è progettata in linea con il movimento da dimostrare al pubblico di destinazione (sequenze di movimento, monologhi, acrobazie con più telecamere, ecc.), Una scena di dialogo tra attori viene generalmente utilizzata per l’utilizzo dell’approccio Master Scene.

Scattare una sequenza di dialoghi all’interno dell’approccio Master Scene comporta un sacco di angoli di ripresa, catturando sovrapposizioni o movimenti ripetuti in modo che l’editor abbia molte alternative.

Se, a titolo illustrativo, catturiamo due persone l’una di fronte all’altra mentre conserviamo una finestra di dialogo, spareremmo la sequenza totale in un colpo doppio. Quindi potremmo forse riuscire a sparare un branco di fedeli alla sequenza totale. Infine, potremmo, forse, forse sparare alla persona alternativa in particolare alla sequenza totale. Quindi, riempiamo ora un doppio colpo per introdurre la scena, Stati Uniti ravvicinati di ogni persona in particolare dopo che parlano e anche Stati Uniti d’America fedeli di ogni persona in particolare ascoltando fedelmente mentre la persona in particolare sta parlando (questi sono noto come colpi di reazione). I due colpi potrebbero forse anche estinguersi ogni volta che rimbalza la riduzione e avanti tra gli Stati Uniti ravvicinati di Americamight si rivelano stupidi allo spettatore.

Questo sequenziamento vuole essere integrato nella tua lista di riprese.