Soluzioni Vivid PART 3

Per la durata dei miei primi anni di coaching come direttore del Coaching Center di Reach Actors a Pretoria, in Sud Africa, ho notato come i corsi erano stati gestiti al Lee Strasberg Theatre Institute di Glossy York per la durata del mio tempo lì (1981-1984).

Ciò che ho etichettato in un modo diverso, tuttavia, è diventato etichetta dodici mesi: cessate le esibizioni con i miei studenti universitari. Entrambi abbiamo fatto alcuni brevi spettacoli scelti intorno a un tema o creato produzioni di workshop preferiti al passo con l’incantesimo come un ensemble, iniziando le prove ad agosto e in genere comparendo alla fine di novembre o all’inizio di dicembre. Ho creduto fortemente che sarebbe stato inutile per gli studenti universitari sondare la loro apparizione e insegnare a Reach apparire modi per lavorare in scena se i giocatori non avessero il sostituto da fare anche davanti ad un pubblico . Agli attori deve essere insegnato a risolvere sia l’ aspetto che la divulgazione tecnica sotto sforzo, sotto le luci e mentre sono osservati da entrambi gli estranei e dai propri cari. Lo stress e la tensione che hai di sotto quando ti esibisci per uno spettatore è completamente assortito per lavorare di fronte ad amici che conosci già in modo efficace all’interno di una categoria e gli studenti universitari devono dare origine a quel giro e professionalità nell’occasione in cui sono personali per entrare nel impresa come attori pagati.

Ben presto cambiò lo stesso, comunque, che i miei studenti universitari erano stati completamente superflui per la durata delle prove di blocco ! Non avevano indizi facili da avere su un palco; incespicando, mascherando e bloccando se stessi e gli altri attori, ora non brilla cosa etichettare con le dita e le dita, bello guardare intorno amare bambole di legno, inserendo elementi di arredo in modi che ora non funzionano in alcun modo e si comportano continuamente dal punto di vista un’assenza di determinare semplicemente semplici suggerimenti per evidenziare visivamente e teatralmente la favola. Non più efficienti: presentavano le principali preoccupazioni quando si trattava di ricostruire la replica , di cui il peggio diventava quello che ora non sarebbe stato ascoltato e che la dizione e l’articolazione, tipicamente, divennero straordinariamente dolorose. Avevo reagito a questi disordini mentre osservavo il lavoro di scena a scuola, di direzione, tuttavia dal momento che queste debolezze non erano state pagate, nessun pensiero per la durata del mio coaching, non mi aveva messo in pericolo con entrambi.

Mentre stai progettando una funzione, raccontando un account, bloccando una scena (richiedendo agli attori di etichettare le attività di ogni giorno con una consapevolezza della creatività teatrale) e facendo in modo che gli attori possano circolare efficacemente per l’efficienza pubblica a un pubblico pagante, tuttavia, l’attenzione deve essere pagata alle convenzioni teatrali usate per l’età, che lo apprezziamo o no! Mentre io etichetta ora non mi associo a seguire pedissequamente ogni e ciascuna “regola” con l’esclusione dell’azione leale e del comportamento corretto, etichetto personale dobbiamo cercare di onorare gli aspetti più generali facendoli ammirare e nel relitto eseguendoli in modo così naturale da non essere notati in alcun modo. Dobbiamo per lo meno conoscere i “princìpi” in cui parlare nell’assicurazione personale per distruggerli efficacemente e nella direzione di una causa esplicita, dobbiamo in realtà sentirci così inclini.

L’innegabile verità che gli attori devono possedere un duro, risonante modo di raccontare con un tono corretto che forse può forse anche essere ascoltato al servizio del teatro, che la dizione deve essere determinata e che i pensieri e le emozioni dei personaggi devono essere espressi in modo significativo. non negoziabile, per quanto mi riguarda. Il mormorio, inesprimibile racconto dell’attore Reach cliché che può a malapena essere ascoltato nella riga principale (anche nel cinema!) È qualcosa di cui molti si sono lamentati con il metodo degli anni e ora non ho intenzione di permettere che questo sia il caso con i miei studenti universitari.

Quindi … ho iniziato a ricorrere a corsi e workshop in aspetti “non di trama”, ora non molto efficienti perché sono fondamentale che i miei studenti universitari abbiano extra professionalmente per la durata delle prove per i dodici mesi, ma anche spettacoli di cessazione. perché ho chiesto loro di etichettare un lavoro teatrale straordinario e teatrale a livello di scuola – anche supponendo che il principale livello focale li stia educando a suggerimenti facili per allenare il rilassamento, la memoria sensoriale, la memoria emotiva, il lavoro sugli animali e altri. nell’educare. Sicuramente questo non esclude di lavorare con precisione semplicemente su una maggiore efficienza e su aspetti teatrali e in realtà essere ascoltato dagli spettatori (sia in teatro che in film)?

Aiuta ad avere un linguaggio generale con amministratori e attori nella più ampia impresa, come illustrazione, poiché questo rende lo scambio verbale e il lavoro insieme più diretto e accumulerebbe il novizio in realtà sentendosi molto più felice della compagnia legittima.

Gli attori, gli amministratori e i direttori di palcoscenici devono sapere dove si trova “Quick Aspect” e quale trama “OP”, che lo stage è diviso in 15 oggetti, quali sono queste posizioni, dove Centro o Giù Centro o Sinistra Centro e carica altri . forse, forse, forse potrebbe essere, e dove i più bei divertimenti con le aree sono (nel caso tu sia personale per usarli), semplici suggerimenti per scrivere istruzioni o avvisi sul palcoscenico in un testo. Forse potrebbe forse forse accumulare un’esistenza più semplice per sapere che XDRC, vivere, XUSC, fuori dalla trama: attraversa il centro comely, fa una pausa, attraversa il centro e gli esiti del palcoscenico, se il supervisore è assente e ti è stato chiesto di abetare fuori dando agli altri giocatori note della sceneggiatura.

Ecco alcune semplici idee al passo con i Make and Don’t of Drama di Jean Lee Latham che i miei studenti universitari e io in realtà hanno trovato preziosi negli anni, dando loro delle interpretazioni “lucidate” e legittime in realtà con togliendo la realtà e l’onestà delle loro risposte ed emozioni. La persona in particolare sarà personale se ometterla o usarla:

STAGE SETTING

1. Realizzare ora mobili non residenti in modo che nasconda un ingresso / uscita fondamentale in realtà.

2. Proteggi il palco bilanciato inserendo mobili a sinistra e piacevolmente al centro, ora non su un aspetto più efficiente.

3. Dai profondità al palcoscenico inserendo mobili sul palco e sul palco.

4. Proteggi contro la monotonia dei ceppi eterosessuali quando inserisci mobili.

5. Cercate che un pezzo di mobilia di mammut non blocchi il check out da un altro pezzo, equivalente al divano, dove deve avvenire l’azione fondamentale. Gli spettatori devono guardare all’azione.

6. Mobili per l’abitazione attorno ai quali deve avvenire l’azione fondamentale, divertendosi enormemente con le aree.

7. Abitare una sedia in cui deve verificarsi una scena fondamentale in cui tutti gli spettatori possono guardare l’occupante.

8. Prepara ora mobili non in questo tipo di tecnica che gli attori si esibiscono da soli quando fanno attività.

9. Fai ora non mobili residenziali nel divertimento principale con aree di questo livello al di sopra del palco o del palcoscenico che i giocatori sono sotto pressione per giocare il gioco (DS) o – se piazzati negli Stati Uniti – il palco appare pesante e i giocatori si aggrappano ora non è facile dominare gli spettatori.

EFFICACE STAGING : ENTRADE E USCITE

1. Prima regola per mettere in scena un ingresso: determinato la porta di attori assortiti per le imprese e le uscite in modo che gli spettatori forse potrebbero forse forse avere un controllo non ostruito del personaggio in arrivo.

2. Dare a lui / sua stanza di precipitarsi nella scena in modo che ora non è catturato alla porta o contro un muro.

3. I personaggi minori ora non devono ostacolare il check out semplicemente sui personaggi principali e / o sulle azioni fondamentali.

4. Il personaggio extra fondamentale deve avere un jam US degli assortiti, in cui lui / lei può dominare la scena / affrontare gli spettatori.

5. Quando un personaggio principale entra per iscriversi in una comunità, usa la furia motivata per ottenere l’aggrapparsi di personaggi non fondamentali fuori dalla strategia in modo da poter entrare nella scena e affrontare facilmente i personaggi principali assortiti.

BLOCCO : MANTENIMENTO DELLA FASE EQUILIBRATA

1. Il significato di una personalità ha un peso enorme quanto il numero di personaggi. In parole assortite, un personaggio principale è fondamentale come un sacco di personaggi adolescenti e forse forse potrebbe anche essere collocato individualmente con il palcoscenico che diventa sbilanciato.

2. Esaurisci il tuo stadio totale e le varie gamme – in piedi, seduto e carica gli altri. – quando si blocca.

3. Il tipo di blocco è terribilmente fondamentale. Differisci con il tuo personaggio o inserendo l’azione da DSC a RC a DSL e carica altri. Quando blocchi le scene hai giocato uno dopo l’assortito.

4. Fai ora non semplicemente far circolare i personaggi su e giù, a sinistra e in linee diritte, farli circolare negli Stati Uniti e in DS, SR e SL sia in linea retta che in diagonale. Mescolalo.

5. Proteggi il prossimo in mente:

(a) sostenere il palco bilanciato – etichetta ora non residente a tutti o la maggior parte dei tuoi personaggi o azioni in un singolo risiedente più efficiente, lasciando il resto del palco vuoto per lunghe sessioni di tempo

(b) indicare il personaggio principale che risiede nella prominenza (se collegato)

(c) l’etichetta ora non consente a un personaggio di camuffarsi o bloccarne uno di più

(d) l’etichetta ora non permette ai tuoi personaggi di mettersi in scena da soli quando eccitati alcuni nella scena o azione fondamentale attuale

(e) supportare i personaggi principali nell’enorme divertimento con le aree o dove l’azione potrebbe forse forse anche bene, forse inoltre essere chiaramente considerata

(f) usa ripetutamente un percorso diretto da un jam ad un altro sul palco finché non ci sarà forse un determinato motivo per fare diversamente (il personaggio è in ritardo, nel dubbio o si diverte con il tempo)

STAGE TECHNIQUE

1. Quando conservi una pistola / vetro / giornale e ne carichi altri, usa la tua mano americana. Suggerimento: durante le prove, fai circolare la tua sceneggiatura alla tua mano di DS, che ti obbligherà a usare la mano degli Stati Uniti per le attività e a caricarne altre.

2. Devi aprire la passeggiata, accumulare il primo passo a lato del tuo piede americano. Etichettate ora che non state tentando di danneggiare il vostro corpo o di imperfettervi al lato del primo passo – sostenere un inceppamento aperto.

3. Un personaggio scelto ora non deve imperfettare la gamba DS sulla gamba degli Stati Uniti poiché questo blocca il corpo. Proteggi il corpo aperto nella direzione degli spettatori incrociando le zampe lungo il giro della trama.

4. In ogni momento si blocca una personalità che fissa l’azione fuori dal palcoscenico (facendo un tentativo fuori da una finestra / porta e carica altre persone.) Di profilo rispetto al servizio agli spettatori. Profilo presenta la sostituzione per accertare le espressioni facciali e ascoltare il dialogo.

5. Il dialogo non può più essere ascoltato ripetutamente quando un attore si trova di fronte agli Stati Uniti e lontano dagli spettatori, finché non ha un duro racconto in realtà. Le voci più deboli devono essere ripetutamente rivolte verso gli spettatori che parlano con sicurezza di sé per essere ascoltati.

6. Giocare al lato del tuo servizio per gli spettatori forse forse potrebbe anche essere davvero molto tremendo, tuttavia questa risoluzione deve essere fatta con un avvertimento e per ragioni molto esplicite.

7. Due o più attori non devono ora passeggiare in seguito o in uno spazio istantaneo, ciascuno assortito sul palco, fino a quando non è richiesto in particolare per l’etichetta. Un po ‘lascia che una passeggiata lentamente si allenti e all’aspetto degli assortiti quando si esce insieme o si cambiano le posizioni sul palco in relazione che gli spettatori devono lisciare bene entrambi i personaggi.

8. Stai provando ora a non avere due personaggi che passeggiano per le varie posizioni sul palco insieme o che incrociano [X] ciascuno e ciascuno assortito. Lascia che un personaggio circoli e una volta che lui / lui raggiungerà la jam desiderata, farà circolare il personaggio assortito.

RACCONTARE LA TUA STORIA VISUALMENTE

Cercate in ogni momento dei modi per portare quella trama e / o sottotesto reale per mezzo del metodo visivo, per mezzo del posizionamento sul palco e / o dell’azione e delle attività e ora non è il metodo più efficace per determinare quali caratteri stanno asserendo. Rendi questo con astuzia e intuizione semplicemente l’intento, la motivazione di alcune personalità, ciò che è di fatto implicito sotto ciò che viene affermato verbalmente e carica gli altri. Ora non colpire troppo gli spettatori con un maglio! Qualche esempio:

Edificare le scene : Abitare i personaggi più vicini a ciascuno e assortiti per un’intelligenza elevata. La distanza è sicuramente più utile per la commedia astronomica o per l’estrema drammaticità o ostilità, a seconda di come viene gestita.

Dramatic Clash : Fai ora non residente personaggi minori tra le due major per la durata di una scena bellica – prendi parte alla strategia per far capire che i personaggi in guerra probabilmente potrebbero forse parlare e giocare tutti e due ciascuno assortito con l’ambiente esterno.

Tensione tra i personaggi : mantenere l’inserimento della distanza tra di loro o farli scagliare i loro corpi lontano da ciascuno e ciascuno assortito o controllare il linguaggio del corpo “chiuso” (braccia che attraversano il petto), e carica altri. Le attività quotidiane possono anche essere molto espressive, quindi scegli attentamente queste informazioni e cerca in che modo i significati assortiti potrebbero forse forse anche essere espressi in base al metodo di svolgimento delle attività.

VOCE

Insistere nella sezione sui generi di lavoro del mio corso Reach. Gli studenti universitari vogliono servire settimanalmente corsi di Insist di un’ora per parlare in sicurezza di sé per dare origine a questa sezione fondamentale dello strumento dell’attore. Dato che la corretta espressività è fondamentale, lavoro al passo con i modi di Kristin Linklater semplicemente riguardo il rilascio di Pure Insist .

Ho messo insieme i miei giocatori per raggiungere il rilassamento corporeo; rilascio del centro respiratorio e canale vocale, respiro affannoso e riconteggio del posizionamento; forte risonanza; tono di ricompensa prosperoso e panciuto; tremendo riconteggio della proiezione e del volume, oltre a determinate articolazioni / dizione e oneste espressioni verbali di pensiero e sentimento.

Stabilire voci tremende rimane una battaglia stressante da quando gli studenti universitari etichettano ora non etichettano l’etichetta desiderata come una residenza da casa a chiacchierare in piena sicurezza per originare completamente le loro voci come strumenti. Sono testardamente personali e riescono ad aggrapparsi al minimo, come la maggior parte degli studenti delle scuole etichettano, e noi paghiamo il valore quando eseguiamo il mantello di dodici mesi-cessiamo in qualsiasi momento. La mancanza di volume, il tono scarno, la risonanza fuori moda e la dizione lanosa mi hanno inquietato negli ultimi ventidue anni. Anche così, sostengo sperando che i miei giocatori stiano facendo meglio nella divisione Insist di quanto avrebbero se non avessi passato il tempo a tentare di dare vita a tremendi strumenti verbali sotto ogni aspetto. Sono personali per personali sono!

Scritto da: Stephanie van Niekerk

Direttore, Reach Actors ‘Coaching Center