DVD – The Different Acting Coach

Con l’esecuzione di lezioni e workshop con tariffe irregolari, gli aspiranti attori stanno scoprendo una metodologia più economica ed efficiente per studiare il loro mestiere. Una delle migliori metodologie è la visualizzazione e l’esame delle performance video di attori molto acclamati e pluripremiati. Recentemente queste performance sono state catalogate online e prontamente disponibili sui siti web di noleggio come Netflix e Blockbuster. A circa $ 8 per trenta giorni, questi DVD presentano momenti istruttivi che fanno jogging a una certa distanza oltre la riserva chiusa, in quanto conserva lo schema di leer delle scene. Inoltre, sono rimpiazzi finanziari per pagare $ 350 a $ 600 per trenta giorni fatturati dagli istruttori del seminario.

Perché questa metodologia funziona? In primo luogo, sei interamente centrato sullo studio di una particolare metodologia. Quelle potenzialità ti hanno isolato un comportamento particolare e attirato su ciò che deve essere assimilato. In un ambiente di laboratorio gli studenti universitari sono sopraffatti da una sostanziale preferenza per le scelte di esecuzione e nel tentativo di padroneggiare molti, non ne padroneggiano nessuno. Inoltre, l’istruttore può toccare con mano una preferenza limitata di parti. La perdita della vista di difetti viene lasciata incustodita e si trasforma in un pezzo della posizione dei talenti degli studenti universitari. Tali workshop di scena possono perpetrare più costantemente errori più che correzioni. Inoltre, gli istruttori devono essere consapevoli degli aspetti limitati dell’esecuzione e raramente occuparsi di coloro che escono dalle porte delle loro zone di comfort. Come risultato finale, gli studenti universitari hanno lacune nella loro pratica.

Con i DVD come allenatore, mentre ti capita di pensarlo e ascoltarlo, comprendi la metodologia e allo stesso modo riconosci quello che devi ripetere. Inoltre, mentre ti rendi conto ora non capisco la prima volta, ripeterai la scena ripetutamente finché non imprimerai completamente la metodologia e potrai riprodurla efficacemente. Tale ripetizione fa affondare e preservare un elemento isolato nella tua intera professione. Allo stesso modo, stai attivamente intrattenendo sul fare una preferenza drammatica mentre interroghi, comprendi e riproduci le molte tattiche. La lezione più importante è che si emula la metodologia di utilizzo dell’attore, ora non l’efficienza dell’attore.

Chiunque abbia guardato film o tv ha familiarità con gli attori tremendi, in modo significativo persone che hanno vinto nomination e premi. Osservando queste performance premiate, si possono imparare molte cose. Con l’introduzione di videocassette, videocamere digitali e lettori DVD, sempre più istruttori di arte drammatica utilizzano questo strumento istruttivo estremamente efficiente. Gli attori estensivi potrebbero aver studiato dolcemente allo stesso modo, perché i tremendi pittori, compositori e ballerini. Il loro lavoro può essere delicato sezionato, analizzato, emulato ed eseguito così per la ragione per migliorare la consapevolezza drammatica e l’agilità tanto quanto aumentare le proprie fluttuazioni.

Un tale schema è costantemente disapprovato dai college più performanti negli Stati Uniti, dove l’individualità e la messa in scena della tua mentalità su cosa sono promosse sul mestiere. Nel tempo libero dell’ambiente, gli attori splendidi sono rinomati per gli artigiani che sono. Sono venerati a qualche distanza in più per le loro abilità e tattiche che per la loro principale stazione di persone. Le loro esibizioni sono una metodologia finanziaria ed efficiente per studiare l’opera d’arte e la scienza dello spettacolo.

Degno di nota deve essere realizzato con la produzione di comportamenti umani in modo verbalizzante. Mentre sei inondato da un comportamento come condotto da attori esperti, puoi neutralizzare le pratiche, le soluzioni e le tattiche simili per realizzare caratteri ugualmente verbalizzati. Quando siamo mossi da un’efficienza, deve rendersi conto delle scelte che l’attore sta facendo. Inoltre, quando analizziamo quell’efficienza, otteniamo aspetti del comportamento umano che osservano praticamente ogni cantare. Quali sono questi aspetti e lo schema sono codificati. Questa soluzione è inciampata nell’esplorazione e nella scoperta di ciò che gli attori premiati ottengono.

Iniziamo con gli aspetti non verbali dello spettacolo. Oltre la metà di ciò di cui parliamo non ha nulla da rendersi conto di ciò che stiamo annunciando o di come lo annunceremo. Deve rendersi conto con il comportamento non verbale che l’accompagna. Sembrerebbe, a causa di questo fatto, che la propria pratica drammatica potrebbe essere gentile a conoscenza di quelle parti, che trasportano la quantità ideale di conoscenza.

Le internalizzazioni sono uno dei comportamenti più raffinati alla pittura. Ma è un attributo davvero potente in un attore esperto. Le internalizzazioni preferiscono realizzare con la chiarezza dei suggerimenti e delle emozioni del personaggio. Gli attori acclamati osservano i movimenti di sguardo per delineare e scambiare suggerimenti ed emozioni interni. Poi, di nuovo, i giovani attori ora non si collegano mai in modo costante, poiché hanno dialoghi e blocchi per memorizzare insieme una quantità terrificante di altre scelte drammatiche. Le internalizzazioni sono raramente indirizzate e tuttavia ci urlano più riguardo al personaggio di ogni altro elemento.

Sono l’uso del film di Paul Newman “Absence of Malice” come un esempio di come il comportamento dei comportamenti promuova i suggerimenti e le emozioni interne del personaggio. Quando il personaggio si disconnette dalla persona reale a ciò che sta parlando e sembra essere lontano, è un segnale per il pubblico di destinazione per ipotizzare cosa si sta verificando all’interno. Il comportamento del personaggio e le aree focali vengono ulteriormente presi in considerazione in questa speculazione a fianco delle espressioni / emozioni facciali accompagnatorie. Questo comportamento è praticamente un linguaggio su se stesso, perché il pubblico di destinazione comprende queste internalizzazioni. Quando due personaggi stanno conversando, ascoltiamo il loro dialogo, poi, di nuovo, il soccorso di Leer-away dimostra il dialogo interno. I tempi di monitoraggio indicati tra parentesi presentano il ringhio di molti esempi.

“Absence of Malice” deve rendersi conto con un FBI Activity Power che fa pressioni su Mike Gallagher (Paul Newman) per illustrare la conoscenza di una coppia di hit mob. Un articolo di giornale lo identifica come sotto indagine. Ma ha un alibi ironico, ma rivelarlo mette in ridicolo pubblico il suo fragile amico Teresa (Melinda Dillon). In questo esempio, Teresa aspetta Mike a casa sua (22: 03). Sta leggendo l’articolo di giornale diffamatorio e vuole sapere cosa potrebbe ottenere dolcemente. È una guerra, perché vuole soccorrerlo, ma vuole stare lontana dalle pene pubbliche. Divulgare come lei rende esaurito di livello di zone di curiosità (leer-away) per dipartimentalizzare le preoccupazioni come problemi, sollevare, evitare e la sua connessione a Mike.

Quando Mike la istruisce su come risolvere le domande dell’FBI, fa esaurire leer-away per convocare soluzioni e mediare le risposte. Allo stesso modo fa esaurire le lacrime per dipingere le sue preoccupazioni riguardo al luogo che l’indagine condurrà.

Il prossimo esempio assume un ruolo in un parco in cui Teresa incontra il giornalista Megan Carter (Sally Field) e tenta di ovviare al nome di Mike (49: 35). Teresa ora non dimostra le informazioni sul motivo del suo scortese segreto fino a quando Megan inizia a trasferirsi. Ha poi confessato che Mike l’ha portata ad Atlanta per abortire. La sua riluttanza è evidente nel suo comportamento mentre ancora una volta immagina la vergogna che potrebbe persino cessare. Il suo livello di interiorizzazione di curiosità nell’aiutare Mike mentre cercava di evitare la divulgazione pubblica del suo aborto. Il suo comportamento estetico unito alle sue espressioni / emozioni facciali chiarisce questi desideri.

La mattina dopo, rannicchiata sul suo crollo d’ingresso (56: 22), aspetta il trasporto dei giornali. Sente la disgrazia mentre legge la storia, una che ogni persona conoscerà presto. Il suo comportamento esteriore prevede l’insopportabile umiliazione per avanzare nella motivazione. Si precipita a casa a casa raccogliendo giornali mendaci nei cortili d’ingresso.

La scena di comeuppance anticipa la fine del film (1: 35: 00) illustra come le interiorizzazioni aggiungono intrighi e vitalità a una scena. L’esperto legale Unprecedented (Wilford Brimley) tiene una inchiesta che riguarda le fughe di notizie sulle indagini in corso. Divulgare il modo in cui i contributori colpevoli hanno a che fare con l’essere castigati e lo schema che reagiscono alle rivelazioni che li condannano. Mike siede tranquillamente trionfante nella costruzione di persone che lo hanno offeso. Degno di nota è affermato in questo modo non verbale e la scena dimostra che il comportamento del look di vitalità ha come strumento performante.

“Absence of Malice” ha vinto le nomination agli Oscar per Paul Newman e Melinda Dillon oltre a una candidatura ai Golden Globe per Sally Field.

Espressioni facciali. Il volto è la nostra identificazione e la metodologia con cui ci riconosciamo reciprocamente. Ogni schema delle nostre soluzioni e aggiustamenti facciali è indubbiamente una particolare persona in particolare. Ma nonostante questo livello forte, potrebbe forse esserci un’universalità per le espressioni emotive che ci uniscono tutti in modo elementare, non verbale. Siamo in grado di mediare anche sul viso perché il teatro del cervello, perché è in questa fase che i nostri suggerimenti e le nostre emozioni interne vengono visualizzati nel vostro mondo intero per scovarli, nascosti o nascosti, perché il problema lo richiede. Esaminando questo elemento dell’esecuzione, uno cambierà in attento al suo in tutte le espressioni di probabilità ed effetto che risuonano con il pubblico di destinazione.

Il personaggio di Gwyneth Paltrow, Viola, in “Shakespeare in Esteem” (1998) utilizza un vasto assortimento di espressioni mentre si traveste da giovane per insistere per essere solida nella commedia di Shakespeare. Ulteriori sotterfugi sono seri in quanto proibiti ammira i kindles tra lei e il giovane Shakespeare. Inibita dalla cultura e dall’Aristocrazia, deve indossare molte finte maschere che cercano la felicità. Potrebbe esserci forse una scena più importante (29: 34), un capovolgimento, il posto in cui è per la prima volta felicissima di essere corteggiata da Shakespeare; poi scopre di essere stata promessa in sposa da suo padre al centro – l’antico severo Lord Wessex. È un secondo devastante e le sue espressioni sobrie urlano una storia tragica mentre le sue passioni vengono soffocate, soffocate dalle abitudini del giorno.

Divulgare inoltre come varia la scala delle espressioni facciali, il pagamento, la dinamica, la lunghezza e l’integrità per soddisfare le esigenze del personaggio. Le sue espressioni hanno una circolazione in avanti. Stanno andando da qualche parte, impegnandosi verso una cosa, verso realizzazioni, riflessioni e aspettative. Inoltre, valuta l’enorme assortimento di emozioni e espressioni facciali di cui fa parte in questo film, dalla gioia allo sforzo, dal desiderio al risentimento, dall’intimidazione alla decisione.

Nel film simile, leer alla premiata efficienza di Judi Dench perché la regina. Nel pubblico target di Viola con Queen (01: 01: 00), le viene chiesto del suo coinvolgimento con il teatro e della sua capacità di ammirarlo in modo valido. È una guerra di sottigliezze come ogni volontà deve essere rispettosa di assegnare, ma ora ora non faccia libera. Più tardi nella scena simile, la Regina informa Lord Wessex che la sua futura sposa è stata strappata e ora non da lui, è eseguita con imperfetto crogiolo in quanto è un idiota tentato dall’avidità, ora non lo ammira. Le espressioni dei sottotitoli di Judi Dench che dipingono il ruolo che ha su questo matrimonio in sospeso e le preoccupazioni che affronta. Ogni Dench e Paltrow hanno vinto degli Oscar per le loro esibizioni.

Il film di guerra “The Pianist” (2002) porta in primo piano una posizione decisa di espressioni. Fissando Adrien Brody perché è un giovane pianista ebreo, lotta per sopravvivere all’assalto della tirannia nazista a tutti gli schemi della seconda guerra mondiale. Le espressioni di questo film sono più distanti, perché le emozioni mentali come quelle esistenti potrebbero implicare la punizione, persino la morte. Nel ghetto di Varsavia, la soppressione opaca e intorpidisce le persone. Pertanto, le esibizioni sono umili e sembrano piatte, ma la disperazione e l’impotenza di queste vittime dell’olocausto e le loro precarie eventualità danno loro un impatto possente. Conosciamo il posto in cui sono diretti. Raggiungono ora non ora. Quando il suo amico del potere della polizia ebraica, formato per imporre il potere ai regolamenti nazisti, lo porta fuori linea per un campo di concentramento certo (50: 20), pensavamo che le sue espressioni conflittuali fossero lacerate tra lasciare la sua famiglia e salvare i suoi esistenza Con il soccorso della resistenza polacca, si nasconde a Varsavia. Il suo volto e le espressioni evocano il suo ordinale con la stessa efficacia dei suoi compatrioti, molti dei quali muoiono. L’angoscia, lo spavento, lo spavento e il senso di colpa sono il cardine della sua efficienza. Anche nei momenti più leggeri, forse potrebbe essere costantemente l’apprensione per essere catturati.

Quando un ufficiale tedesco scopre il suo ruolo di nascondiglio (2: 01: 37), le sue speranze di libertà sembrano schiantarsi. Poi di nuovo, oscilla l’ufficiale di fianco alle sue abilità di pianista ed evita di preferirlo. Sopravvive principalmente grazie alla sua volontà di dimorare, oltre a una stima della fortuna suprema e alla gentilezza dei non ebrei. Divulgare lo schema rende scarico di variazioni raffinate per allungare l’espressione e consentire il tempo di amplificare la pressione. Adrien Brody ha vinto un Oscar per la sua efficienza.

Inizio Dialogo. L’osservazione parlata è il livello preliminare di curiosità per gli attori di origine che sono consapevoli dell’abbagliamento, problemi come la proiezione, l’articolazione e il fraseggio. Mentre queste sono le abilità vocali più importanti, potrebbe esserci qualche distanza in più da inciampare in questa casa. Per l’occasione, il posto fa una pausa? Come fa il tempo a meditare sul personaggio che ringhia emotivamente? Come raggiungere temi quali enfasi, dinamiche e riflessioni di ineguaglianza su eventualità, relazioni, costruzione del carattere e percorso narrativo. Quando guardavamo il trasporto di attori certificati, pensavamo che un essere umano naturale efficace ci attraesse nel loro mondo. Si fermano per prendere in considerazione, incespicano con indecisione, gridano di rabbia e contestano i segreti delle loro anime.

L’efficienza pluripremiata di Gregory Peck in “To Wreck a Mocking Rooster” (1962) è un magnifico esempio di trasporto di dialoghi robusto. Si esibisce in un eroico avvocato di una piccola città che si muove attraverso il razzismo mentre difende un uomo nero accusato di aver violentato una giovane ragazza bianca. Il suo trasporto misurato e ponderato parla con gli Stati Uniti più gentili e gentili del 1932, un tempo molto più lungo di quanto la libertà e l’uguaglianza si trasformino in realtà. Le scene dell’aula di tribunale sono le più famose nel film. La ricapitolazione di Peck alla giuria (1: 31: 40) è uno splendido leer che dimostra fedelmente una sostanziale preferenza per le tattiche di trasporto. Conta coscienziosamente le sue argomentazioni, le prove a sostegno e fa appello alla giuria per realizzare la cosa più bella e restituire quest’uomo alla sua famiglia. Dirige le sue frasi su bersagli appropriati che li colpiscono di colpa, disonore e responsabilità. Lascia la casa a riflettere, a prendere in considerazione e a preferire. Il dialogo sottolinea, le disuguaglianze e le dinamiche lungo le pause messe in posizione efficace sono all’origine di un discorso coinvolgente, che illumina il nostro senso di giusto e sbagliato e risveglia la nostra umanità.

L’efficienza di Anne Hathaway in “Rachel Getting Married” (2008) è un esempio supremo di un personaggio disfunzionale che dimora sulla puntura. Un manichino dilapidato tossicodipendente in un fine settimana passa dalla riabilitazione, assiste alla cerimonia di matrimonio della sorella e fa esplodere psicologicamente la sua famiglia. Il suo narcisismo e l’incapacità sociopatica di sollevare in considerazione il tempo libero passato a lei hanno bisogno di creare una pressione esaltante. Lei chiede con rabbia il momento saliente della notte ideale dell’esistenza di sua sorella. Durante la cena di prova, il suo brindisi (34: 24) è la sua esistenza, il suo tentativo di originare ammende. Il suo trasporto ha un’andatura impreparata, efficace come se volasse. Lei crea un carisma spiacevolmente praticamente imbarazzante per il procedimento. Regola i discorsi, fa una pausa goffamente e dirige il suo discorso a nessuno nel tuono. Questo ultimo elemento rivela che sta parlando più a se stessa che a connettersi con gli altri durante la cena, un segnale di comportamento narcisistico. La sua rabbia regale e paranoia continua nelle scene successive in cui il trasporto dialoghi è incontrollato e caotico, con esplosioni fragorose e esplosioni emotive malate. Rimangono però parti di dialogo come enfasi, dinamiche, pause e ingiustizie. Escludendo ora, c’è un enorme livello di incertezza su ciò che sta per sussurrare in seguito, e lo schema che sta per sussurrare. Questo effetto imprevedibile attira il pubblico target nella sua esistenza e mentre la sua tragica trama di motivazioni si sgretola, sentiamo indubbiamente la sua angoscia e la sua radice per la sua restaurazione. Hathaway ha vinto un Golden Globe Award e una nomination all’Oscar per la sua efficienza.

Gesti. I gesti sono i movimenti di qualsiasi parte del corpo che assiste nell’esprimere un’idea o nel trasmettere un sentimento. In quanto tali, hanno una causa. Intensificheranno un’emozione o un’azione con la stessa efficacia di un modo particolare di riflettere. Per il motivo che il pubblico target giudica i personaggi più su ciò che pensavano che su ciò che sentono, i gesti cambiano in un pezzo chiave del comportamento. Ci sono varie preoccupazioni nel raffigurare un gesto, come la collocazione relativa al dialogo accomodante, la sua causa e il tipo di movimenti del corpo. I gesti a metà o incompleti hanno un impatto aggiuntivo e provocano qualsiasi altro aspetto del personaggio.

Nel film del 1995 “The Bridges of Madison County”, Meryl Streep rende efficacemente l’esaurimento dei gesti per rafforzare le sue emozioni e intenzioni. Si esibisce Francesca Johnson, una solitaria casalinga malcontenta i cui occhi e cuore si aprono all’ammirazione amorosa quando Robert (Clint Eastwood) arriva per sollevare le immagini dei ponti coperti della contea di Madison. Iniziano come amici con una capacità di conversazione senza fine, parlando delle loro credenze e passioni. Poi di nuovo, 24 ore dopo sono in ammirazione. I suoi gesti meditano su una relazione in aumento. All’inizio sono titubanti o moderati, mentre più tardi diventano più sicuri e iniziati. Quando Streep tenta di fornire le istruzioni di Eastwood (18: 15) al ponte coperto, fa esaurire una varietà di gesti che definiscono categoricamente la sua incertezza, la sua eredità italiana, con la stessa efficacia delle sue frustrazioni. Le frustrazioni emergono a causa del suo fascino per lui. Divulgare l’elemento non sincronizzato con i suoi dialoghi e gesti.

In una scena successiva, risponde al telefono (1: 10: 52) e mentre si muove nel motivarlo, si aggiusta il colletto, si spazzola il collo con il dito, e poi lascia la sua mano appoggiata sulla sua spalla. Lui, a sua volta, mette la mano sopra la sua. È un secondo sensibile e sensibile che si evolve in modo accurato in una danza romantica e dice che ora sono uno. Più tardi, nella scena delle discussioni in cucina (1: 31: 15), lei chiede: “Cosa ci succede?” In questa scena di disaccordo, i suoi gesti diventano più assertivi e forti. In preda alla follia, spinge via una sedia, ma nella riconciliazione, i suoi gesti si trasformano in empatici.

Nel film, ripete i gesti indicativi del suo personaggio, come coprirsi il viso con entrambe le mani o toccare l’aspetto della sua testa. Questi successi dipingono i suoi consigli e le sue emozioni. Il gesto più memorabile del film è disponibile nella scena inzuppata di pioggia (1: 50: 57) quando Francesca, guidando con suo marito, si ritrova nella motivazione del pickup di Robert con un cremisi gentile e praticamente salta fuori per attaccarlo. La porta si occupa di figure in vista mentre mette mano al patto. Le sue dita si stringono e si lanciano per trascinare la motivazione come se stesse per sganciare la porta. È un secondo straziante il posto che deve preferire e la sua mano sul chiavistello descrive ripetutamente questo tumulto. Potrebbe tranquillamente uscire o conservare insieme a suo marito.

L’efficienza ha guadagnato a Streep una nomination all’Oscar in un ruolo principale.

Selezione del modello e dell’emozione. La capacità di preferire e spedire solide intenzioni ed emozioni è uno strumento prezioso per l’attore. Queste forze trasferiscono i personaggi attraverso la storia. Esse attirano l’ammirazione / l’odio, per o in opposizione alla polarità perché il pubblico di riferimento interroga, alza in considerazione, condanna e persino alza i lati. Essi intensificano la guerra all’interno o tra i personaggi e collocano ruoli simpatici o avversi che originano la radice del pubblico di destinazione per l’eroe e fischiano il cattivo. Queste scelte derivano dal punto di vista del personaggio, ciò che il personaggio conosce e sente tanto quanto quel livello nella storia. Pur sostenendo in modo costante, erano persino in guerra, l’emozione che contraddiceva la trama all’interno del personaggio. Nelle relazioni e nei confronti, l’accoppiamento trama / emozione è normalmente in conflitto con quello del personaggio avversario.

Nel film del 1997, “As Upright as It Gets”, Jack Nicholson esibisce un mormorio ossessivo-compulsivo che lancia insulti di ogni forma e genera a chiunque nel suo corso. Quando lascia che la madre single e la cameriera (Helen Hunt) e l’allegro vicino (Greg Kinnear) e il suo cane escano fuori dalla sua esistenza, i profondi aggiustamenti li attendono tutti. Il film illustra come le eventualità, le relazioni e gli eventi scambiano le intenzioni e le emozioni dei personaggi. Dimostra inoltre come questi forti desideri e desideri intensifichino il nostro coinvolgimento nella storia.

Melvin Udall (Jack Nicholson) segue rigidamente la sua routine quotidiana di fare colazione in un ristorante in cui lavora Carol Connelly (Helen Hunt). È la cameriera più conveniente che metterà da parte le sue violenze abusive. Quando parla (13: 30) del suo figlio asmatico dice ingiustamente: “Sembra che tuo figlio morirà”, Carol lo acciglia per aver annunciato questa forma di cosa e che non lo ricollegherà più a nessun metodo se lui ora non è più un dispiacere. Qualcosa è avanzato che modifica il suo atteggiamento compiaciuto e se vuole preservare il suo rituale della colazione, deve sussurrare che gli dispiace. In tal modo, viene disegnato con riluttanza nella sua esistenza. In una scena successiva (22: 25), le chiede: “Cosa è sgradevole con tuo figlio?” Si trasforma in compassionevole, in pezzo perché è la persona più conveniente che lo farà di nuovo. Ma è la sua crescente attrattiva per lei come una donna che si trasforma nell’arco del suo personaggio, portandolo in un mondo preciso che prima evitava.

Come di cessazione di atto uno, il suo vicino allegro è attaccato da ladri e è ospedalizzato. Melvin è costretto ad affrontare al fianco il suo cane (26: 30) e questo torneo apre il suo cuore per provare indubbiamente più profondamente su una cosa diversa da lui. Si trasforma in legato al cane, così potente; lo porta al ristorante. Carol sente questo mestiere e lui o lei lo trova più attraente. Incitare eventi come questi scambia le scelte dei personaggi e quindi il percorso della storia.

In questo film, ci sono una sostanziale preferenza per gli intenti e le regolazioni delle emozioni, la maggior parte motivati ​​da alcuni tornei. Queste regolazioni originano il film ideale per la diagnosi. Inoltre, la linea guida che tu segui una preferenza dominante fino a quando una cosa su cui si basa la negoziazione viene riflessa tramite. Fare esaurire questa semplice regola drammatica offre chiarezza e causa a un’efficienza. Ora non ho nominato le scelte degli attori grazie alle enormi interpretazioni su cosa sarebbero state. La lezione da sollevare è che le scelte sono state fatte, applicate efficacemente, e quando sono state spostate da un torneo successivo, sono state modificate. Erano state inoltre delle scelte, che supportavano le equazioni drammatiche, spingono la storia al suo optimum con tutta probabilità, ed effettuano l’illusione desiderata nella mente del pubblico target.

La raccolta di queste scelte ora non è arbitraria; si tratta di scoprire la sceneggiatura, la collaborazione, la sperimentazione e l’errore. In questo film, non appena ha preso rapidamente una preferenza sostanziale di prendere per originare il desiderio hanno un impatto. Il film, nominato per sette Academy Awards, ha vinto gli Oscar per le acclamate performance di Nicholson e Hunt.

Blocco e movimento. La maggior parte dei giocatori giudicano il blocco e la circolazione sono le uniche reali responsabilità del regista. Poi di nuovo, l’attore conosce il personaggio ideale e gli amministratori accurati che cercano questo ingresso. Cos’è il blocco? Bloccare è il posizionamento e la circolazione dei personaggi per urlare la storia in frasi visibili. La storia visibile riflette il fallimento o il successo secondo o secondo della guerra di ogni personaggio nella direzione del loro obiettivo, tanto più efficacemente (intensità) e livello di curiosità (percorso) delle loro emozioni. Bloccare è l’accumulo di un sacco di parti: la relazione drammatica, ciò che il personaggio vuole, ciò che sente, ciò che si trova nello schema e lo schema che la guerra sta attualmente risolvendo.

Come esempio di tattica di blocco, conservo chiuso un classico spezzato, il film del 1942 della seconda guerra mondiale “Casablanca” con Humphrey Bogart, Ingrid Bergman e Paul Henreid. Questo film fa esaurire schemi di block-up abbattuti per riempire una storia ben congegnata di intrighi, ammirazione ed eroismo. Nel film, la protezione (angolazioni riprese) e il montaggio (angoli e lunghezza selezionati) risolvono la storia visibile e esaminandoli, possiamo imprimere i parametri elementari del blocco. Nel tuono, le scelte di blocco scoprono il racconto della storia.

In questo classico di Oscar, espatriato americano, Rick Blaine (Humphrey Bogart) ospita i giocatori d’azzardo, i ladri e i rifugiati nella sua discoteca marocchina, tutto il programma della seconda guerra mondiale. I visti per l’uscita sono il premio in una storia guidata dal luogo in cui Nazis e Vichy Police si scontrano in opposizione a quelli che tentano di fuggire dall’occupazione tedesca. Scopriamo che due corrieri tedeschi erano inciampati in un omicidio nel tratto desolato e che il mercante oscuro Ugarte (Peter Lorre) era un agguato o un truffatore interessante. Presentò i visti d’uscita che avevano portato a Rick per sicurezza.

Il blocco in questa scena è in gran parte un due colpi, (due persone) non appena in piedi in piedi, altre volte seduti. In verità, il 2-shot è suddiviso per la lunghezza del film perché le relazioni, i confronti e le risoluzioni sono essenzialmente uno contro uno. Questa preferenza focalizza l’attenzione sui personaggi centrali e le loro relazioni. Inoltre aiuta a isolare i segreti intimi che conservano e condividono. Il blocco è raffinato, ma efficiente, poiché ogni personaggio ha la casa di validare, interrogare e toccare le regolazioni.

In questa scena tra Rick e Ugarte (09: 57), Ugarte rivela le sue aspettative sulla promozione dei visti di uscita per un po ‘di soldi. Le sue espressioni interessanti, i suoi gesti e i suoi movimenti gli hanno originato l’elemento più accattivante nella scena e quindi la composizione favorisce il suo personaggio. Nella convinzione di sé, si appoggia a consegnare a Rick i documenti rubati. Per originarlo sembra elevato, l’atteggiamento della telecamera è al di sotto del suo livello di look. Questo atteggiamento riduce anche l’impatto dei giocatori di sfondo. Rick è considerato principalmente di profilo mentre ascolta. Quando il dialogo diventa più ampio e rivelatore, gli angoli si scambiano con i single (tacche). Questo isola il livello focale su un singolo personaggio e rende i suoi contributi più importanti. Il punteggio sulle linee si conserva anche quando si affetta da un atteggiamento a un altro. La continuità è un elemento di primo piano nel blocco e è soprattutto la ripetizione delle azioni allo stesso modo negli angoli e in prese successivi. Guarda come Ugarte maneggia la sua sigaretta da diminuire per diminuire e mantiene la continuità.

A 1: 19: 30 in, il livello di svolta del terzo atto prende il suo ruolo. Ilsa (Ingrid Bergman) aspetta nell’assunzione del condominio di Rick per convincerlo che suo marito potrebbe essere gentile dato il visto di uscita. È una scena in cui Rick è costretto a prendere una decisione su Ilsa, i visti di uscita e il destino del marito di Ilsa, Victor Laszlo. La scena imposta come il film è nell’atomize risolto.

Cerchiamo di trovare la circolazione e il blocco. Rick entra nel suo condominio sopra il club e trova Ilsa in piedi sull’aspetto. Si sposta al centro della stanza e Ilsa si sposta per affrontarlo. Nel suo legame con la credenza, si ritira sulla porta del balcone e lui o lei si sposta per affrontarlo di nuovo. Di nuovo si sposta via per comprare una cosa sulla sua scrivania. Lei lo segue e lo supplica. Si gira, lei si allontana, e quando si trasforma motivato, vede che ha una pistola puntata su di lui. Si avvicina e la sfida a sparare. Lei si accascia e si allontana. Segue preso dalla sua disperazione e la prende tra le sue mani mentre inizia la sua confessione su ciò che è indubbiamente accaduto a Parigi.

Un decrescere al radiofaro aeroportuale indica un passaggio di tempo.

Rick sta in piedi vicino alla porta del balcone. Diventa motivato e le chiede di procedere. Ora è posizionata sul divano. Ascolta come sembra essere come se lo stesse osservando per il pensiero e il perdono. Si avvicina. Sembra essere tanto quanto lui e in una lunga protesta confessare più della storia. Ora capisce la sua marmellata e si muove attorno al divano seduto accanto a lei. Continua a chiudersi tanto quanto la cessazione della sua storia. Nel cessare, si appoggia sulla sua spalla annunciando che la decisione finale è tanto quanto lui. Che deve mediare per entrambi, per tutti noi.

Quando guardi male in questa scena, puoi pensare che i desideri e le emozioni del personaggio motiva i movimenti e il blocco. Per l’occasione, la sfiducia di Rick lo allontana da lei ed è la sua disperazione che la costringe a trasferirsi più vicino, affrontare Rick e originare i visti di uscita. Mentre ascolta i suoi chiarimenti su quello che è successo a Parigi, inizia ad ascoltarla, credendola, e nel cessare il trasferimento più vicino a consolarla. Inoltre, prezzo le linee di ricerca tra Rick e Ilsa, che indica che ha la vitalità di preferire. Il suo leer al cessate dice che ora non ha ancora preso una decisione e imposta il pubblico di destinazione per un finale soddisfacente che giustifichi le sue azioni in questa scena di livello girevole.

Casablanca ha vinto l’Oscar per il miglior regista, la migliore descrizione e la migliore sceneggiatura. Inoltre ha vinto le nomination per il miglior attore (Bogart) e il miglior attore non protagonista (Claude Rains).

Ci sono molte alternative di studio a disposizione esaminando le performance acclamate e premiate su DVD. Perseguire questi vantaggi può ridurre le spese di pratica aumentando la portata e l’efficacia del rendimento. Questo testo tocca le parti più rudimentali dell’esecuzione e si potrebbe insegnare gentilmente e fare attenzione a queste parti come parte del tuo programma di pratica.