Tre figure cardine delle arti dello spettacolo del ventesimo secolo

Cosa rende le arti dello spettacolo così particolari? Mentre vagamente, si potrebbe presumibilmente applicare il termine a qualsiasi forma di presentazione prima di un mercato di riferimento, i critici hanno storicamente estinto l’impressione di separare la danza, la melodia e la performance teatrale dalle arti visive “statiche”. Un pittore, un creatore o un fotografo possono trasmettere efficacemente il loro lavoro e i loro messaggi nel tempo e persino tutto l’espediente attraverso ostacoli culturali o linguistici di primo livello, conservando un 2d, un immaginario e un prescient o una teoria in un mezzo eterno. Deriviamo una cosa il più chiusa possibile al viaggio nel tempo tentando una foto di Stieglitz, alcune tracce di Dante, o un dipinto di caverna su un muro estinto, pronto a guardare (almeno quasi) la parte simile che il creatore ha fatto alla 2a edizione o esecuzione.

Le arti dello spettacolo, in una mano diversa, sono time-dinky. Ora non siamo in grado di dubitare mai di che cosa un dramma di Shakespeare diventi simile al mercato di riferimento, per di più alcuni resoconti adeguatamente conservati, e che siano una sinistra di sostituzione che affronta le sue opere più come componente della storia letteraria che come teatro. Né sapremo mai come sarà stato sopportare di assistere alla grande esibizione di Swan Lake al Bolshoi Theatre nel 1895. La fase della magia è il modo in cui ispirano una forma di match o spettacolo, un one-of-a – evento gentile che, anche nell’era della registrazione digitale HD, può esistere solo in modo più semplice nel paffuto nel ricordo di noi che siamo stati lì a guardarlo.

Soprattutto sulla direzione del ventesimo secolo, le arti dello spettacolo hanno ospitato alcuni sviluppi particolarmente importanti. Sulla testa di un’ingegnosa esplorazione nella lunghezza della battaglia, ballerini, drammaturghi e musicisti hanno estinto i loro mezzi per rispondere a un crescente bisogno di nuove forme – la premessa che le clausole alteranti del regno richiedevano una forma di arte diversa da quella che era vicino prima di Anche se questo potere potrebbe presumibilmente essere identificato correttamente nelle arti visive, diventa sul palcoscenico che l’artista potrebbe presumibilmente benissimo in questo momento confrontarsi con il pubblico con un nuovo modo di affrontare le questioni. Di seguito sono elencati tre innovatori chiave che ogni frequentatore di teatro potrebbe presumibilmente conoscere da vicino.

Antonin Artuad: creatore, critico e drammaturgo ispirato agli scritti esistenziali di Friedrich Nietzsche e Jacques Derrida, Artuad riteneva che il teatro per il 21 ° secolo dovesse sempre incorporare un senso di durezza dell’esistenza in una tecnica che le forme romantiche e contemporanee non erano state in grado di . Sottolineando un impero di caos di fronte al nichilismo e un infame impegno culturale con una varietà di forme estinte, l’insistenza di Artuad a liberarsi dai limiti del linguaggio e negli spazi inesplorati del gesto e del suono ha avuto un effetto duraturo sulle generazioni di drammaturghi e artisti per chiudere ispirano.

Merce Cunningham: Mentre Artuad era per la filosofia e le culture orientali per l’ispirazione, questo danzatore e coreografo incorporava aspetti della verosimiglianza come una tecnica per abbracciare il caos organico dell’ingegnosa direzione di, incorporando scelte casuali nella direzione della composizione di. Mentre tra le alternative potrebbe presumibilmente bene ora non essere artisticamente utile, incorporando questa parte aleatoria ha aperto l’artista tanto quanto le potenzialità fresche e morbide. Più tardi, Cunningham perseverava a spingere i limiti del medium delle arti dello spettacolo sperimentando le tecnologie del cinema e del traipse hang, trovando nuovi modi per documentare e archiviare queste esperienze sbiadite uniche nel loro genere.

John Cage: il compagno di Cunningham per tutta la vita, Cage utilizzava gli aspetti variabili della verosimiglianza per le sue esibizioni musicali, ispirato al testuale cinese estinto che insisteva su I Ching, un manuale divinatorio conosciuto in Occidente come E book of Changes. Consultando i modelli e le sequenze del manoscritto, Cageought non era così potente da portare un accenno a ciò che vedeva come il caos dell’esistenza, ma piuttosto un reindirizzamento dell’attenzione; una coscienza dell’insistenza naturale dell’esistenza. Mentre Cage potrebbe presumibilmente essere il più semplice conosciuto per la sua composizione di 4’33 “- quattro minuti e trentatré secondi di silenzio da un artista seduto a un pianoforte, l’orso delle arti dello spettacolo ha avuto un contributo duraturo dal suo lavoro con strumenti strani e meravigliosi e scarico innovativo di nuove capacità di registrazione.